Какие свежие, яркие и прекрасные букеты цветов. Розы - белые, чайные, Алые - раскрыли свои нежные лепестки, пионы красуются пышными шапками, огненные маки и астры, словно большие лучистые звёзды, красочные георгины и ещё какие-то незнакомые, необычные, но не менее прекрасные цветы.
Все эти чудесные букеты… нарисованы на знаменитых подносах из Жостова.
Жостовский художественный промысел - это декоративная живопись на металлических подносах. Возникновение промысла относят к началу девятнадцатого века, когда в деревне Жостово, Троицкой волости (ныне Мытищинский район, Московской области), была открыта мастерская по выпуску лакированных изделий из папье-маше с живописными миниатюрами. Но вскоре жостовские мастера стали делать металлические подносы с росписью масляными красками и лаковым покрытием. В 1928 году была основана артель, ныне Жостовская фабрика декоративной росписи.
Жостовский промысел развивался под влиянием уральской декоративной росписи, федоскинской лаковой миниатюры, росписи по фарфору подмосковных фабрик. Но уже к середине девятнадцатого века сложился самобытный художественный стиль жостовских мастеров. Сюжеты росписи - цветочные, растительные орнаменты, бытовые сценки из народной жизни, пейзажи. Разнообразна форма подносов.
Дымковская игрушка
Название этого народного промысла связано с селением Дымковская слобода, что на окраине старинного русского города Хлынова (позже г. Вятка, ныне г. Киров).
Дымковская игрушка - это декоративная глиняная скульптура высотой до 25 сантиметров. Роспись производится по обожженному в печи изделию темперными красками, применяется позолота. Изображаются всадники, дамы, кавалеры, сказочные персонажи, животные, бытовые сценки. Позы и движения дымковской игрушки несколько условны, упрощенны, согласно древней традиции изготовления народной игрушки, скульптуры.
Яркая, красочная «дымка» популярна не только в России, но и за рубежом.
Городецкая роспись
Этот народный художественный промысел сложился к середине девятнадцатого века в старинном волжском городе Городце, известном по летописям с 1152 года. Городец славился резчиками по дереву, умелыми корабелами. Обычай украшать предметы быта, прялки, ставни домов, ворота резьбой и инкрустацией послужил источником рождения народного промысла.
Особенности городецкой росписи - чистые, яркие краски, чёткий контур, белые штрихи, создающие условный объём и живописность. Городецкие мастера изображают не только растительный орнамент, сказочных персонажей, но и жанровые сценки. В начале двадцатого века промысел возродился. С 1938 года работает артель, с 1960 года работает фабрика «Городецкая роспись».
Русская матрёшка
Матрёшка - настоящая русская красавица. Румяная, в нарядном сарафане, на голове яркий платочек. Но матрёшка не лентяйка, в руках у неё то серп и хлебные колосья, то уточка или петушок, то корзинка с грибами-ягодами.
Но, главное, эта куколка - с секретом! Внутри неё прячутся весёлые сестрички. По сравнению с другими игрушками, деревянная молодая куколка молода, ей чуть более ста лет. Для народной игрушки это не возраст.
Прообразом матрёшки могли послужить «писанки» - деревянные, расписные пасхальные яйца, их уже много веков делают на Руси. Они бывают полыми внутри, и в большее вкладывается меньшее. В конце девятнадцатого века в Абрамцево по эскизу художника Сергея Малютина местный токарь Звёздочкин выточил первую деревянную куколку. А когда Малютин расписал её, получилась девочка в русском сарафане, в платочке, с петушком в руке. По преданию, кто-то, увидев куклу, смеясь воскликнул: «До чего похожа на нашу Матрёну!». С тех пор и зовут эту игрушку матрёшкой.
Матрёшка - один из самых популярных русских сувениров. В Московской области массовое производство матрёшек началось в Сергиевом Посаде с 1890 года, и уже в 1900 году игрушка из России на международной выставке в Париже была отмечена золотой медалью.
Вскоре матрёшек стали изготовлять и в других районах страны, например в городе Семенове, в селе Полхов - Майдан, на Вятской земле, в Башкирии и Воронеже.
В наши дни традиционное искусство матрёшки переживает своё второе рождение. Вот только изменилась её внешность.
Хохломская роспись
Уже в 17 веке в селе Хохлома проходили ярмарки, где торговали деревянной расписной посудой, изготовленной в сёлах и деревнях Нижегородского края.
Хохломская роспись отличается характерным сочетанием золотого цвета с чёрным, красным, зелёным, иногда коричневым и оранжевым. Изображение растений, ягод, плодов, птиц и рыб образуют прихотливый узорный орнамент. Секрет «золота» Хохломы - применение алюминиевого (ранее серебряного или оловянного) покрытия, сверху наносится рисунок и лак. Изделие высушивается при температуре 100-120 градусов. Под действием температуры лак приобретает желтоватый оттенок, и сквозь него «золотом» сверкает алюминиевый слой.
Современные хохломские изделия - посуду, мебель, сувениры - создают мастера фабрики «Хохломской художник» и объединения «Хохломская роспись», что в Нижегородской области.
Гжельская керамика
Гжель - это один из самых известных народных художественных промыслов России. Гжельский промысел объединяет два десятка подмосковных сёл и деревень. Уже с 14 века в этой местности процветал гончарный промысел. С середины 18 века гжельские мастера освоили производство майолики с многоцветной росписью по белому фону. Роспись часто дополнялась скульптурными изображениями людей, жывотных, птиц.
В девятнадцатом веке Гжель прославилась своим фаянсом и фарфором. С этого времени преобладает роспись синим кобальтом по белому. Разнообразные изделия с «фирменным» цветочным узором, скульптуры поражают фантазией и мастерством художников, сохранивших народные традиции. Сегодня гжельская керамика известна во всём мире и по-прежнему украшает нашу жизнь.
Скопинская керамика
Скопинская керамика как народный художественный промысел получила известность со второй половины девятнадцатого века. Археологические исследования подтверждают, что в 12 веке в районе города Скопина, Рязанской области, уже существовал гончарный промысел.
Особенность скопинской керамики в том, что изделия, как правило, ручной работы, дополнены лепными изображениями птиц, рыб, фантастических животных. Великолепный растительный орнамент делает скопинскую керамику настоящим произведением искусства. Она покрыта цветной глазурью коричневого, зелёного или желтого тона.
В 1934 году основана артель, с 1976 года - Скопинская фабрика керамических изделий.
Филимоновская игрушка
Этот народный промысел связан с деревней Филимоново, Тульской области. Издавна в этих краях делали посуду из местной светлой гончарной глины. Облик филимоновской игрушки поражает своей оригинальностью, необычностью форм. По мнению специалистов, в филимоновской игрушке сохраняются изначальные, древние традиции народной культуры.
Фигурки несколько вытянуты, в росписи преобладают три-четыре цвета. Сама роспись - это чередование горизонтальных полос по белому, жёлтому фону. В орнаменте преобладают круги, «розетки», треугольники, зигзаги, точки. Лица на игрушках, мелкие детали едва обозначены, как у древних, языческих идолов. Размеры игрушек от 3-5 до 25-30 сантиметров. В большинстве своём это свистульки.
Незатейливы филимоновские игрушки. Но игрушка радует - значит, делали её добрые руки.
Народные ремесла и промыслы России.
Народные художественные промыслы России - неотъемлемая часть отечественной культуры. В них воплощен многовековой опыт эстетического восприятия мира, обращенный в будущее, сохранены глубокие художественные традиции, отражающие самобытность культур многонациональной Российской Федерации.
Художественные промыслы являются одновременно и отраслью промышленности, и областью народного творчества.
Сочетание традиций и новаторства, стилевых особенностей и творческой импровизации, коллективных начал и взглядов отдельной личности, рукотворности изделий и высокого профессионализма - характерные черты творческого труда мастеров и художников промыслов.
Неповторимые художественные изделия народных промыслов России любимы и широко известны не только в нашей стране, их знают и высоко ценят за рубежом, они стали символами отечественной культуры, вкладом России во всемирное культурное наследие.
В век технического прогресса, машин и автоматики, стандарта и унификации изделия художественных промыслов, выполненные в основном вручную, в большинстве своем из природных материалов, приобрели особое значение.
Виды народных промыслов России. Их характеристика
Народное декоративно-прикладное творчество - сложное и многогранное явление. Оно включает в себя самые различные направления, виды, формы. Но все их объединяет сочетание практической целесообразности изделий с естественной красотой их внешнего облика, идущей от окружающей природы.
В Древней Руси вся жизнь людей была буквально пронизана стремлением к красоте и гармонии с природной средой. Дом, очаг, мебель, орудия труда, одежда, утварь, игрушки - все, к чему прикасались руки народных мастеров, воплощало их любовь к родной земле и врожденное чувство прекрасного. И тогда обычные бытовые предметы становились произведениями искусства. Красоту их формы дополняли декоративные украшения в виде орнамента, изображений людей, зверей, птиц, сюжетных сценок.
Издревле народные мастера в своем творчестве использовали то, что давала им сама природа - дерево, глину, кость, железо, лен, шерсть Природа постоянно служила главным источником вдохновения народных умельцев. Но, воплощая в своих произведениях образы природы, мастера никогда не копировали ее буквально. Озаренная народной фантазией реальность приобретала порой волшебные, сказочные черты, в ней быль и вымысел представлялись неразделимыми.
Именно это своеобразие народного декоративно-прикладного творчества, его неповторимая выразительность и соразмерность, вдохновляли и продолжают вдохновлять профессиональных художников. Однако не всем из них удается в полной мере постичь и переосмыслить всю его глубину и духовный потенциал.
Как отмечает известный исследователь народного творчества М.А.Некрасова, в современных условиях «возрастает потребность народа в народном искусстве, в его подлинности, духовности. Но найти пути к сохранению народного искусства, к его плодотворному развитию можно только понимая его сущность, творческую и духовную, его место в современной культуре».
Ведущая творческая идея традиционного народного искусства, основанная на утверждении единства природного и человеческого мира, проверенная опытом многих поколений, сохраняет всю свою значимость в искусстве современных народных художественных промыслов.
Художественная обработка дерева.
Дерево - один из древних символов России. В древнеславянской мифологии древо жизни символизировало мироздание. Тенистые рощи и дубравы, таинственные темные чащи и светло-зеленое кружево лесных опушек издревле притягивали к себе ценителей красоты, пробуждали у нашего народа творческую энергию. Не случайно у народных мастеров именно дерево - один из самых любимых природных материалов.
В разных уголках России сложились самобытные виды художественной обработки дерева.
Резьба по дереву - это богородская скульптурная и абрамцево-кудринская плоскорельефная резьба в Московской области; изготовление изделий с трехгранновыемчатой резьбой Кировской, Вологодской, Томской, Иркутской, Архангельской областей; резьба по бересте в Вологодской и Кировской областях.
К традиционным художественным промыслам росписи по дереву относятся: Хохломской, Городецкий и Полхов-Майданский промыслы Нижегородской области; Сергиево-Посадская роспись с выжиганием, роспись с выжиганием в Кировской, Горьковской, Калининской, Иркутской и в ряде других областей; изготовление изделий со свободной кистевой росписью в Архангельской, Вологодской областях. У каждого из этих промыслов есть своя история и свои неповторимые особенности.
Богородская резьба.
Недалеко от подмосковного города Сергиева Посада раскинулось старинное русское село Богородское.
Здесь сосредоточено производство знаменитой богородской резной деревянной скульптуры и игрушки. Их традиции восходят к XVII веку, когда у стен Троице-Сергиева монастыря продавались резные деревянные игрушки.
Богородские изделия изготовляются из дерева мягких пород - липы, ольхи, осины. Основными инструментами народных мастеров были топор, специальный богородский нож и набор круглых стамесок различного размера. Лезвие богородского ножа оканчивается треугольным скосом и отточено до остроты бритвы.
В течение веков сложились так называемые маховые приемы резьбы. Любое изделие режется ножом «с маху», сразу начисто, быстро, точно, без каких-либо предварительных эскизов, подготовленных в рисунке или глине.
Богородские игрушки интересны не только резьбой, но и своей оригинальной конструкцией. Чаще всего это игрушки с движением. Их традиционный герой - богородский мишка – смышленый и деятельный медвежонок, выступающий в компании с человеком.
Очень красивы, пластичны, выразительны богородские кони, вполне реалистичные и одновременно сказочные. Человеческие фигуры в богородских композициях также очень выразительны. Наиболее традиционна среди них фигурка русского крестьянина, представляющего классический образ доброго, хитрого, мастеровитого русского мужичка.
Художественные изделия из бересты.
Традиционным видом русского народного декоративно-прикладного творчества является изготовление художественно оформленных изделий из березовой коры, бересты. Еще в древности березовая кора привлекала мастеров народного искусства своей ослепительной белизной. При обработке береста сохраняла свои природные свойства: мягкость, бархатистость, гибкость и удивительную прочность, благодаря которым она применялась для изготовления сосудов для жидкостей, молока и меда.
Известно, что на лесистой территории России - Вологодской, Архангельской, Олонецкой, Вятской, Владимирской, Нижегородской губерниях, а также на Урале и в Сибири - в Пермской, Тобольской губерниях издревле развивались промыслы, прославившиеся берестяными изделиями.
Разнообразные берестяные изделия народов России можно разделить на несколько групп в зависимости от способа их изготовления, характера и размера используемой бересты. Прежде всего, нужно выделить вещи, сделанные из целого куска бересты. Они наиболее просты по форме, их проще всего изготовить. К ним относятся низкие широкие открытые сосуды - чекманы, кузовки, набирушки.
Значительную часть представляют плетеные изделия. К ним относятся солонки, плетеная обувь - бродки, чехлы, сумки - заплечники. Наиболее сложные и трудоемкие предметы утвари - бураки, короба, туески. Разнообразны и способы украшения берестяных изделий: выскабливание, гравирование, тиснение, резьба и роспись.
Декорирование берестяных изделий.
Тиснение по бересте - один из древнейших видов украшений берестяных изделий. Широко распространена была техника нанесения рисунка на бересту с помощью штампиков или чеканов. При всей своей простоте тиснение позволяет достигать высокого художественного качества изделия, обогащая своеобразную поверхность бересты рельефным рисунком. Он представляет собой простейшие геометрические фигуры - круги, полоски, гребешки, звездочки, равномерно расположенные на украшаемой поверхности Инструменты для тиснения - набор штампиков - чеканов, вырезанных из твердых пород дерева (березы, дуба, вяза) или выкованных из металла.
В зависимости от размера и вида изделия бересту нарезают полосками, пластинами. С нее снимают огрубевший наружный слой. Перед нанесением рисунка бересту размечают шилом на полосы или клетки. Подготовленную бересту кладут на доску внутренним слоем вверх. Взяв в левую руку штамп, плотно прикладывают его узорной стороной к бересте и, сильно ударяя по ней молотком, наносят рисунок. Глубина рисунка зависит от силы удара.
Резьбу по бересте русские мастера применяли довольно широко. Но, пожалуй, наиболее виртуозной была прорезная или просечная береста на русском Севере. По праву первое место среди традиционных народных художественных промыслов резьбы по бересте занимает г. Великий Устюг в Вологодской области. Промысел возник здесь во второй половине XVIII века и получил название по имени реки Шемоксы, на берегах которой он развивался. В ХVIII-ХIХ вв. на городской ярмарке можно было купить изящные берестяные табакерки, шкатулки для рукоделия и хранения игр, портсигары с рельефными пейзажами, сюжетными сценами. Постепенно резные изображения становились менее рельефными, более орнаментальными, ажурными, в чем сказалось влияние северной резьбы по кости. В конце XIX в. формируются основные стилевые особенности шемогодской резьбы: ажурно-орнаментальные мотивы, закрученные спиралью завитки с розеткой внутри. Чтобы берестяное кружево лучше читалось, под бересту подкладывалась фольга или цветная бумага.
Не меньшую известность завоевали северорусские промыслы по росписи берестяных изделий. Среди них выделяются туеса, расписанные пермогорской росписью, получившей название от селения Пермогорье на Северной Двине. Роспись пермогорских туесов отличается характерным сочетанием белого, золотисто-кремового фона с мелким растительным орнаментом из листьев, завитков, цветов, среди которых изображаются разнообразные сцены жизни - чаепитие, посиделки, охота и т.д.
Хохломская роспись по дереву.
Всемирно известные хохломские изделия изготавливают главным образом в Нижегородской области. Одно предприятие хохломской росписи находится в городе Семенове, другое в селе Семино (100 км от Нижнего Новгорода). Искусство хохломской росписи зародилось в конце XVII века. Свое название оно получило от села Хохлома, где проводились в прошлом большие ярмарки. На них продавалась деревянная посуда, в основном крашеная или, иначе, расписная.
Хохломские изделия - ковши, братины, ложки, поставцы - изготавливаются из липы или березы. Так называемое «белье» - неокрашенные деревянные заготовки, покрывают грунтом, шпаклюют и смазывают олифой три-четыре раза, просушивая каждый слой. На высушенную поверхность последнего слоя олифы наносится алюминиевый порошок. Получается блестящая «серебряная» поверхность. Далее поверхность хохломского изделия расписывается масляными красками свободным кистевым приемом без предварительного рисунка.
Начало производства подносов в Жостово относится к 1807 г. Каждый поднос обычно проходил через руки трех человек: коваля, изготовлявшего форму, шпаклевщика и живописца, грунтовщика, после просушки покрывавшего изделие лаком
Жостовское письмо начинается с «замалевки» - нанесения разбеленной краской силуэтов цветов и листьев, затем на просохший замалевок лессировочными (прозрачными) красками накладываются тени. Этот прием «тенежки» погружает букет в глубину фона. Далее следует «плотное корпусное письмо», наиболее ответственный этап живописи. «Бликовка» - наложение бликов - выявляет объем и свет, завершает лепку форм. Далее «чертежка» размещает детали, очерчивает лепестки, прожилки и семена. Завершает письмо «привязка» - тонкие травки и усики.
Расширяя выразительные средства, живописцы Жостова разрабатывают новые способы орнаментальной росписи. Так появился новый прием «копчения», с помощью которого на поверхность подноса наносился узор, напоминающий рисунок панциря черепахи.
Кроме черных и белых фонов, подносы расписывают и по цветным, и по золотым фонам На поверхность подноса наносится порошок бронзы или алюминия. Просвечивая сквозь слой лака, он создает эффект золота. На золотом фоне краски приобретают особую яркость, а подносу придают вид дорогого предмета.
За свою историю жостовские подносы из бытового предмета стали декоративными панно, а ремесло, служившее некогда подспорьем к земледелию, обрело статус уникального вида русского народного искусства.
Народная керамика.
Керамика - различные предметы из обожженной глины. Они создаются гончарами. Повсюду, где имелись природные запасы глины, пригодной для обработки, мастера-гончары изготавливали разнообразные по формам и декору миски, кувшины, блюда, фляги и другие предметы, широко использовавшиеся народом в быту.
К керамике относятся майолика, терракота, фарфор, фаянс, отличающиеся друг от друга составом глин.
Майоликой называют изделия из гончарных глин, покрытые цветными непрозрачными глазурями – эмалями.
Терракота - это изделия из обожженной глины, не покрытые глазурями.
Фарфор отличается составом массы, в которую входит белая глина - каолин высокой температуры плавления, или полевой шпат, придающие фарфоровым изделиям белизну, тонкость стенок, прозрачность.
Фаянс близок к фарфору, но не обладает его белизной и прозрачностью, имеет более толстый черепок.
Гжельская керамика. В Гжели, Речицах, Турыгине и других селах Раменского района Московской области издавна существовало производство керамических изделий, которым занималось почти все население местных деревень.
Уже в XVII в. гжельские мастера славились гончарными изделиями, а глины, которые они употребляли, отличались высоким качеством.
В середине XVIII века гжельские мастера начали выпускать изделия в технике майолики, с росписью по сырой эмали. Блюда, квасники, кувшины они украшали нарядной росписью зеленых, желтых, фиолетовых тонов. На них изображались цветы, деревья, архитектура, целые сюжетные сцены.
Сосуды украшались также скульптурой: условно переданными человеческими фигурками, птицами, животными Скульптура выполнялась отдельно.
Во второй половине XVIII века в росписи гжельских мастеров излюбленным материалом был кобальт. Сочетание белого фона с синей подглазурной росписью стало типичным и для современных мастеров, работающих в производственном объединении «Гжель».
Орнамент, украшающий гжельские изделия - растительный. Цветы, травы, изогнутые стебли с листьями, колосья переработаны в декоративные. Ручная роспись характеризуется свежестью и непосредственностью рисунка, свободно и легко располагающегося на поверхности вещи. Живопись мазка зависит от движения руки. Мастерицы гжельского промысла, наносящие роспись вручную, постепенно создали свой творческий почерк. Повторяя, казалось бы, одни и те же виды росписи при тиражировании изделий, они всегда вносят что-то новое.
Скопинская керамика. Город Скопин Рязанской области - известный центр народного гончарства. В середине XIX века в Скопине насчитывалось свыше 50 мастерских. Но известность Скопину создали выполняемые местными гончарами сосуды сложных причудливых форм, подсвечники в виде фигур фантастических зверей, птиц. Сосуды обильно украшались скульптурными изображениями фантастических зверей, львов, драконов. Эти образы были нередко заимствованы с лубочных картинок - рисунков с близкими простому народу темами и сюжетами, продававшихся обычно на ярмарках.
Сложные, богато разработанные формы мастера выполняли вручную, на гончарном круге. В этом сказывалось виртуозное владение материалом и техникой. Разнообразие форм вещей и скульптурных сказочных образов свидетельствует о неистощимой фантазии мастеров. Скопинские изделия обычно покрыты зелеными и желто-коричневыми потечными глазурями. Интенсивный цвет, обилие скульптурных украшений и причудливость форм сообщают искусству Скопина выразительность и яркое своеобразие.
Мастерство и фантазия скопинских мастеров проявляются при создании сосудов, кувшинов, бочонков для солений, ваз для фруктов и др. В наши дни этот промысел развивается, основываясь на выработанных традициях, но формы сосудов стали менее сложными и причудливыми.
Дымковская игрушка. Большую известность получила игрушка из слободы Дымково, расположенной близ г.Вятки. Зарождение этого промысла связывают с древним народным праздником «Свистунья», к которому в течение всей зимы мастерицы готовили разнообразные свистульки в виде коней, всадников, коров, птиц. Весенний праздник сопровождался бойкой торговлей свистульками. Их яркая красочная роспись соответствовала общему радостному весеннему настроению.
Лепились игрушки из местной красной глины, обжигались, затем покрывались меловым грунтом, разведенным на молоке. По белому фону игрушка расписывалась анилиновыми красками, разведенными на яйце. Цвета этих красок поражают своей силой, праздничностью. Яркая малиновая, желтая, синяя роспись на белом фоне обогащается орнаментами в виде точек, кружочков, кисточек. Сочетание нескольких цветов в одном изделии требует от мастерицы особого умения. Иногда узор покрывался кусочками сусального золота, придававшими изделиям еще большую нарядность.
Образы дымковских игрушек отражают городской быт. Дамы и кавалеры, кормилицы, няньки, модницы, удалые всадники отличаются яркостью красок, особой выразительностью, яркой праздничностью и юмором. Форма изделий, так же, как и роспись, условна.
Со временем дымковская игрушка находит широкое применение в быту как декоративное украшение. В связи с этим значительно укрупняется и размер изделий дымковских мастериц. Часто встречаются многофигурные композиции, изображающие народные гулянья, праздники.
Дымковская игрушка близка народу метким изображением характеров, остроумием, чувством радости жизни. В этом се непреходящая ценность и уникальность.
Каргопольская игрушка. Город Каргополь Архангельской области - это центр традиционного русского народного художественного промысла глиняной игрушки. Его происхождение в Каргополе связано с богатыми местными залежами глины, которые определили его широкое развитие уже в XIX веке. Здесь делали посуду, а наряду с ней игрушки: коней, оленей, баранов и т.д. В 1930 г. потомственный гончар И. В. Дружинин возродил здесь традицию глиняной игрушки. Его расписные игрушки отмечены единством стиля; крестьянки, охотники представлены с поразительной остротой характера; животные - кони, коровы и т.д. - наделены индивидуальными признаками. Они приземисты, сдержанны по расцветке.
Каргопольские игрушки лепились по частям: на торс насаживалась юбка, присоединялись ноги. Игрушки обжигались и покрывались белой краской.
Веселый Полкан-богатырь со знаком солнца на груди народной мастерицы и сказительницы М Бабкиной наделен большой силой. Его образ связан с древнеславянской мифологией.
Мастерица сохранила традиционные приемы лепки и росписи. Каргопольский орнамент состоит из геометрических узоров, крест в круге - солнце, кружочки, ромбики, зигзаги, которые имели символическое значение.
Каргопольские мастера используют неяркие цвета: красный, желтый, коричневый, болотный, малиновый.
Филимоновская игрушка. Деревня Филимоново Одоевского района Тульской области является центром традиционной русской глиняной игрушки. Зарождение промысла связано с давним производством гончарной посуды. С XIX в. филимоновская игрушка становится, широко известна. Это игрушки, в основном свистульки, в виде фигурок животных, украшенные геометрическим орнаментом. В 1967 г. в Филимонове была создана мастерская. Традиционная филимоновская игрушка основывается на пластических качествах жирной глины «синики». После высыхания глины игрушки трескаются; трещины на них заглаживаются, придавая фигуркам более вытянутую форму. При обжиге природный сине-черный цвет меняется на белый. Поэтому фон у игрушки расписывается анилиновыми красками, разведенными на яйце: красной, желтой, зеленой, синей, фиолетовой. Геометрический орнамент состоит из полосок, солярных знаков. Нередко женские фигуры расписывают не только полосами, но и цветами, розетками, треугольниками. Современные мастера сохранили в своем творчестве традиционные формы сочетания цветов и орнамент.
Кружевоплетение.
Русские кружева ручного плетения известны в истории наших народных художественных промыслов с конца XVIII века. Ручное кружевоплетение возникло и сформировалось сразу как народный промысел, не проходя стадии домашнего ремесла. Западноевропейское кружево стало проникать в Россию во второй половине XVII - начала XVIII вв.; оно служило отделкой одежды дворян и помещиков. С распространением моды на кружева и кружевные отделки многие дворяне заводят у себя крепостные мастерские по кружевоплетению Ранние кружева, относящиеся к XVIII - первой половине XIX вв., нередко выполнялись из золотых и серебряных ниток с добавлением жемчуга.
Кружева ручного плетения выполняются при помощи коклюшек-бобинок, выточенных из дерева. Перед кружевницей находится плотно набитый валик - подушка. На подушке закрепляется рисунок будущего кружева, нанесенного на плотную бумагу. На рисунке-сколке точками обозначаются места пересечения и переплетения нитей. В руках у кружевницы от 6 до 12 пар коклюшек с льняной хлопчатобумажной или шелковой нитью.
Вологодское кружево. Своей плотностью, белизной и узорчатостью они очень напоминают морозные узоры на стеклах и иней в лесу на деревьях в разгар зимы, в тихий морозный день.
Основу вологодского кружева составляет плотная «лента-полотнянка», которую за то, что она так прихотливо вьется, обрисовывая разнообразные формы кружевного орнамента, называют еще «вилюшкой». Для вологодского кружева типичен растительный орнамент. Мотив симметрично развернутого пышного куста с широкими лапчатыми листьями и фронтальными шести, восьми - и более лепестковыми цветами-розетками образует широкую узорную кайму кружевного изделия. Решетки имеют стройный, ритмически совершенный характер, производят впечатление прочности, надежности. Ассортимент вологодских кружев очень разнообразен, он включает в себя круглые салфетки, дорожки, скатерти, декорированные настенные панно, оконные занавески, портьеры.
Михайловское кружево. Большой интерес представляет кружево, производимое в г. Михайлове Рязанской губернии. Здесь исполняли кружево плотное, из толстых нитей, не только белое, но и разноцветное, яркое. Оно хорошо подходило к красочным нарядам русских крестьян. Носили его на своих рубахах не только женщины, но и мужчины. Им обшивали женские передники, полотенца, простыни. Оно имело несложный вид заостренных зубцов - «мысов», веерообразных фигур, так называемых бубенцов. В кружевах применялись нити всего трех цветов: белого, красного и синего, но они так умело сочетались, что каждый кусок кружева казался красочным по-новому. В 1950-х годах происходят заметные изменения в облике Михайловского кружева. Укрепляются узоры, вводятся новые цвета. Эти изменения в большой мере связаны с именем талантливой художницы - кружевницы. Д.А.Смирновой. В ее работах впервые появляются изображения человеческих фигур. Д.А.Смирнова с мастерицами промысла стремится сохранить красоту цветных узоров как уникальное явление русского народного искусства.
Вышивка - один из наиболее распространенных видов народного искусства.
Орнаментация народной вышивки уходит своими корнями в глубокую древность. В ней сохранились следы того времени, когда люди одухотворяли окружающую природу. И помещая на своей одежде и предметах быта изображения солнца, древа жизни, птиц, женской фигуры, как символов жизненной силы, счастья, плодородия, верили, что они принесут в дом благополучие.
В процессе исторического развития у каждого народа складывался определенный характер вышитого узора, своеобразные приемы технического выполнения, неповторимые колористические решения.
Вышивка не требовала сложного оборудования - игла, нитки, холст - вот и все, что нужно для того, чтобы вышить и сшить одежду, выполнить нарядные изделия для украшения жилища. Вышивку широко применяли в быту как сельского, так и городского населения. Многие виды вышивки активно использовали для украшения одежды и предметов быта зажиточной части населения.
Особую ценность представляет крестьянская вышивка, где она была связана с творчеством жителей сельской местности. Именно в этой вышивке сформировались художественно-стилистические особенности, не утратившие ценность и в наши дни.
Вышивка народов нашей страны необычайно разнообразна по художественным и техническим приемам, характеру использования в быту. В любой союзной и автономной республике, крае, области, районе встречаются неповторимые произведения талантливых вышивальщиц.
Процесс формирования современных строчевышивальных промыслов неоднозначный. В каждой местности он связан с укладом жизни, развитием общей культурной традиции, степенью взаимовлияния культур соседних народов. В настоящее время вышивка получила особенно широкое развитие на предприятиях художественных промыслов в России, а также на Украине, в Белоруссии, Молдове, Узбекистане и Таджикистане.
Золотное шитье ранее применяли для изготовления предметов культового назначения, а также для украшения головных уборов. Такая вышивка была характерна для Нижегородской, Тверской, Вологодской и многих других областей. Однако наиболее развита эта вышивка в Торжке, мастерицы которого сумели донести свое искусство золотного шитья до наших дней. Здесь используют трудоемкие приемы этого шитья: кованый шов, литой шов, в прикреп и др. Для достижения большого эффекта рельефности узора при его выполнении под настил подкладывали кусочки картона, бересты или кожи.
Неповторим современный торжокский золотошвейный промысел Тверской области, на котором, сохраняя традиционные приемы, выполняют нарядные изделия - пояса, сумочки, шапочки, жилеты, папки для торжественных случаев.
В золотной вышивке использовали самые разнообразные узоры - от простых полос, петелек, звездочек до сложных композиций растительного орнамента. Как и раньше, золотную вышивку дополняют нашивками блесток и включением самых разнообразных разреженных швов, которые особенно часто применяют при оформлении дополнений к костюму - шарфов, платков, нагрудных украшений.
Своеобразная вышивка получила развитие во Владимирской области. Это тонкая белая гладь с всевозможными стягами и ажурными дополнениями и яркая декоративная вышивка - так называемые владимирские швы.
Народные художественные промыслы восходят к древности, к домашним промыслам и деревенскому ремеслу. Позже образовались работающие на рынок кустарные промыслы, а также частные мастерские, вовлечённые в систему капиталистического рынка и нередко не выдерживавшие конкуренции фабричных товаров. В конце XIX - начале XX вв. во многих странах началось возрождение народных художественных промыслов, в том числе и в России. В нашей стране существует специальная государственная программа по поддержке и возрождению исконно русских народных промыслов, в их числе: Хохлома, Гжель, Жостовские подносы, Береста, шкатулки Федоскино, Самовары, Балалайки, Городецкой росписи.
Но, прежде всего стоит узнать откуда на Руси появились эти, по праву, произведения искусства, пройдя через века и массу трудностей, передаваясь из поколения в поколения, от мастера к мастеру, от отца сыну, народные промыслы дошли и до наших времен!
На реке Узоле, в древних заволжских лесах раскинулись старинные русские деревни - Новопокровское, Хрящи, Кулигино, Сёмино. Отсюда и ведет свою историю известный во всем мире хохломской промысел. В этих деревнях и поныне живут мастера-художники, которые расписывают деревянную посуду, продолжая традиции отцов, дедов и прадедов.
Однако установить время появления хохломской росписи исследователям пока не удалось. Ведь деревянную посуду и другую утварь долго не хранили. От частого применения она изнашивалась, приходила в негодность. Её выбрасывали или сжигали, заменяя новой. До нас дошли изделия хохломских мастеров в основном лишь XIX века. Но различные документальные сведения указывают на то, что промысел зародился в более раннее время, возможно в XVII веке.
Характерная для хохломы оригинальная техника, где роспись киноварью и черной краской исполнялась по золотому фону, находит аналогии в древнерусском искусстве.
В документах есть упоминание о том, что в конце XVI и начале XVII века в Троице-Сергиевой лавре при торжественном приеме гостей им подносили деревянные ковши, украшенные золотом и киноварью, а также кубки.
В начале XVII века к Троице-Сергиевой лавре были приписаны заволжские земли, среди которых находилась и Хохлома. Крестьяне не только видели эту золоченную посуду, но и могли знать способ её окраски. Но у хохломских мастеров был свой способ “золочения”. Посуду натирали оловянным порошком, покрывали олифой и нагревали в резные позолоченные печи. Олифа от высокой температуры желтела, а олово, просвечивающее сквозь неё, становилось золотом.
Один из лучших мастеров хохломской росписи так говорил об этом промысле: (Самый характер росписи, подражающий золотой и серебряной посуде был подсказан декоративным искусством Древней Руси... Хохлома, вероятно, была лишь поздним отражением этого большого искусства...)
В XIX веке промысел настолько разросся, что поставлял свой товар в большом количестве не только на внутренний рынок, но и за границу в страны Средней Азии и Западной Европы. Изготовлением посуды и других предметов быта занималось сразу несколько деревень Семеновского и Балакнинского уездов Нижегородской губернии, Макарьинского и Варнавинского - Костромской. Среди них было что-то типа разделения труда. В одной деревне обрабатывалось дерево, в другой - наносился рисунок.
Самые ранние произведения хохломы в собрании Русского музея относятся ко второй половине XIX века. Они насчитывают около 170 разнообразных по назначению предметов быта. Посуда представлена мисками и чашками любых размеров: от маленьких, похожих на десертные розетки, до огромных 70-80 сантиметров в диаметре; различными поставцами и бочатами солонками и множеством ложек.
Дешевую обиходную посуду можно было отличить по простым узорам, нанесённым специальными штампиками из фетровой ткани или гриба-дождевика. Это спирали, ромбики, мелкие розетки и листики.
Более дорогие вещи расписывали кистью от руки, создавая различные композиции травного орнамента, где ритмично сочетаются слегка изгибающиеся тоненькие красненькие и черные веточки с пышными перистыми листьями-травинками.
Иногда красно-черная пушистая травка дополняла основной орнаментальный мотив вьющегося крупного стебля, каждый завиток которого заканчивался красной ягодкой.
В 1960-е годы стали выполнять многопредметные наборы и сервизы.
Современная хохлома по праву получила широкое признание не только в нашей стране, но и далеко за её пределами. Украшенные яркой росписью столовые наборы, чашки, ложки, мебель экспонируется на многих крупнейших международных выставках. И всегда это неповторимое жизнерадостное искусство находит любовь и понимание людей всех национальностей.
Есть в Подмосковье деревня Жостово, жители которой уже более полутора веков владеют мастерством украшения всего одной вещи - подноса. Под кистью народных живописцев этот предмет обрёл качества художественного произведения. Собранные в букеты или вольно раскинувшиеся на блестящем черном фоне садовые и полевые цветы украшают поднос и несут людям чувство радости души, поэзию вечного цветения природы. Ведь вряд ли найдется человек, не любящий природу, равнодушный к цветам, их красоте, аромату, заключенной в них великой силе жизни. Эта тема близка каждому, поэтому так много почитателей жостовского таланта не только в нашей стране, но и за рубежом.
А когда-то, в начале XIX века, открывая в Жостове первую мастерскую по производству изделий из папье-маше, купец Филипп Никитьевич Вишняков и не подозревал, что основал новый промысел, которому суждено будет со временем войти в число уникальных очагов русской народной культуры. Здесь сложилось самобытное искусство декоративной живописи, вобравшей в себя традиции народных росписей на бытовых предметах и станкового живописного натюрморта, по-своему понятого и переработанного народными мастерами. Первые подносы изготовлялись из папье-маше, как и выпускающиеся вместе с ними коробочки, табакерки, марочницы и шкатулки. Поначалу и украшавшая их живопись была одинаковой - пейзажи, писанные с гравюр и картин, летние и зимние тройки коней, чаепития за столом. Помещённые на черном фоне в центре поля хорошо читались силуэтами фигур, локальными цветовыми пятнами.
В 1830-е годы подносы в Жостове стали делать из металла. На мысль о замене папье-маше на более прочный материал жостовцев навели подносы Нижнего Тагила, знаменитого ещё в XVIII веке центра их производства. В XIX веке в Тагиле делали подносы, украшенные растительным орнаментом, характерным для предметов уральской народной расписной утвари.
Другим известным центром производства подносов стал Петербург. Здесь были в моде подносы фигурных форм, сложного рисунка, изображавшей цветы, фрукты, птиц среди различных раковин и прихотливых завитков.
Жостовские мастера учли опыт живописцев Нижнего Тагила и Петербурга, но не просто использовали понравившиеся стили и приёмы, а создали на их основе свой собственный неповторимый стиль и характер украшения подносов. Он сложился в 1870 - 1880-е годы.
В это время увеличился спрос на подносы в городах. В трактирах, в питейных заведениях и гостиницах подносы использовались по прямому их назначению, и как украшение интерьера. Подносное производство в Жостове постепенно отделилось от лаковой миниатюры на папье-маше. Возникло немало мастерских, производивших подносы на продажу в Москве, в Петербурге и других местностях. С тех пор и поныне Жостово и окрестные деревни являются своего рода заповедниками этого уникального искусства.
Коллекция жостовских подносов в Русском Музее невелика. Но в ней есть первоклассные произведения, исполненные в разные периоды жизни промысла и наглядно отражающие особенности и уровень искусства своего времени.
К числу самых известных произведений принадлежит овальный поднос, украшенный живописью по перламутру.
Почти на каждом старинном подносе стоит клеймо мастерской, в которой он был выполнен. Из этого клейма можно узнать имя хозяина мастерской, а по ней определить время создания подноса.
На удалении 50-60 километров к северо-востоку от Москвы, в Раменском районе, вдоль Егорьевского шоссе расположены два десятка слившихся между собой красивых сёл и деревень.
Гжель - название одного из сёл - бывшего волостного центра, ставшего собирательным для всей округи, символом неповторимого искусства и народного мастерства.
Гжелью называют выпускаемые в этих местах высокохудожественные фарфоровые изделия, расписанные кобальтом по белому фону.
Гжель впервые упоминается в письменных источниках в 1339 году в духовной грамоте Ивана Даниловича Калиты. С тех пор на протяжении столетий, как одна из наиболее прибыльных волостей, переходила Гжель по наследству в роду великих московских князей и царей, принося им немалый доход.
Ещё в XVI веке гжельцы возили в Москву излишки бытовой посуды, а также в Яузскую слободу московским гончарам свою глину, некоторые оставались там и работать. Выезжали они и на московские ярмарки и торги. Знакомились на торгах с привозными изделиями мастеров из других мест России, из других стран.
На базе крестьянских промыслов и торговли постепенно складывался новый тип крестьянского населения Гжели.
К 70 - 80 годам XVIII века Гжель становится центром производства в России художественной майолики. Дело в том, что со времени открытия мануфактуры Афанасия Гребенщикова в 1724 году многие гжельцы работали там гончарами. Смекалистые и расторопные, они быстро схватывали секреты нового производства майоликовых изделий, а возвращаясь на родину, заводили свои примитивные, но многочисленные новые горны, создавали свои изделия не только из обычных красных глин, как раньше, а использовали по новой технологии белые массы с примесями других сортов глин и минеральных добавок.
Самобытные гжельские изделия пользовались неизменным спросом. Крестьяне-кустари трудились от зари до зари, имея дело с глиной и творя из неё необходимые в быту вещи. Каждый из них имел свою манеру, и создавая изделия, вносил собственное видение окружающего мира. Достоинство посуды, игрушек определялось вкусами покупателей и управлялось их спросом. Популярность гжельских изделий означала соответствие их требованиям, отвечающим утилитарным целям и художественным вкусам людей того времени. В середине XVIII века в России довольно быстро начали развиваться гончарные производства, однако гжельские изделия пользовались неизменным спросом. Отсюда производство керамики распространяется в Коломенской, Серпуховской и другие уезды Московской губернии.
Конец XVIII века явился временем расцвета гжельской майолики; особенно большого искусства местные мастера достигли при изготовлении кувшинов, кумганов, квасников. Работа требовала большого терпения и искусства. Роспись не допускала поправок и переделок, так как велась по мягкому, не обожжённому черепку, покрытому белой эмалью. Гжельцы выпускали отдельно и мелкую майоликовую пластику, которая часто отражала типичные сценки их жизни, наполненные юмором композиции, солдат, крестьянок, модниц и франтов, занятых теми или иными делами. Сюжеты были выразительны и доходчивы, покоряли ясностью замыслов, наивностью их создателей - простых народных умельцев.
В течение многих десятилетий гжельцы создавали изумительные по красоте и разнообразию росписи изразцы для оформления печей и каминов. Свыше 500 их образцов хранит теперь в своей коллекции Эрмитаж.
Многие гжельские мастера участвовали создании гончарного промысла и в других местах России.
Полуфаянс Гжели пытались делать ещё в последние годы XVIII века. Завозимые из-за границы предметы из этого материала были настолько дороги, что их могли купить только немногие, но они же невольно толкали гжельцев овладеть технологией их производства.
Полуфаянс уже имел белый, хотя и толстый черепок, и роспись велась не по сырой эмали, как на майоликовых изделиях, а после обжига, по твердому черепку, что значительно облегчало, ускоряло работу и ускоряло брак.
Полуфаянс стал таким же замечательным художественным явлением, как и майолика. Гжельцам удалось получить белую посуду белую, наподобие фаянса в начале XIX века. Добавив в свои глины известь, гжельцы получили материал, названный простым фаянсом или полуфаянсом, и в течение XIX века создавали из него десятки тысяч необходимых предметов быта.
Не сразу гжельцы выработали свой самобытный стиль росписи кобальтом, но постепенно он достиг совершенства именно в полуфаянсе. Синий цвет становится классическим, неотделимым от гжельского полуфаянса. Это был новый изобразительный живописный язык, пришедший на смену контурному рисунку с полихромной раскраской, какая ранее использовалась в майолике. Синяя краска лучше всего соединяется с глазурью, при обжиге даёт меньше брака, излучает сияние, не подвластное времени. В росписи присутствуют и элементы очеловечения, одухотворения вещей.
К середине XIX века Гжель являлась самым крупным поставщиком керамических изделий страны.
Во второй половине XIX века в русском керамическом производстве происходят значительные сдвиги. Лидируют теперь крупные механизированные заводы. Экономичность производства, добротность изделий и умеренность цен давали возможность выиграть борьбу на рынках сбыта.
В 1926 году число работающих в фарфорово-фаянсовой промышленности по Гжельской области составляло 506 человек.
Товарищество Гжель создано в результате объединения шести мелких цехов разных деревень в 1972 году.
В деревне Жирово выпускают керамические камины, В деревнях Трошково и Фенино - гончарную и майоликовую посуду. В деревне Фенино совместно с итальянской фирмой создаётся производство по выпуску изразцов и плитки. В деревне Коломино - Фрязино делают фарфоровые игрушки, а современные производства в д. Турыгино и Бахтеево - главные центры производства художественного фарфора.
Гжельские мастера глубоко и свято хранят традиции своих предков, творчески их развивают и приумножают. В полусказочном мире, создаваемом мастерами - керамистами нынешней Гжели, трудно провести четкую границу между искусством прошлого и настоящего. Не иссякает родник, возникший столетия назад в душе русского народа; пройдя через толщу веков, он по- прежнему остаётся могучей эстетической силой и не теряет своей чистоты. В преемственности традиций народных мастеров, верности им и находится зерно успеха и популярности гжельской керамики в наше время.
История Гжели уходит вглубь веков, и её народному искусству суждена долгая жизнь, сегодня знаменитый народный промысел набирает новые силы. В разные концы планеты улетают синие птицы Гжели, чтобы украшать быт людей, воспитывать чувство прекрасного.
Береста
БерестаИздавна на Руси из бересты делали нужные для хозяйства и удобные вещи – плели корзины и короба. А в берестяных туесах хранили мёд и ягоды, сметану и масло… В такой «упаковке» всё долго оставалось свежим.
А ещё из бересты делали шкатулки и ларцы, всевозможные коробочки, посуду и даже лапти. Яркими, весёлыми красками их расписывали: рисовали цветы и ягоды, зелёные веточки и сказочных птиц, зверей невиданных или хорошо знакомых. Иногда под кистью мастера рождалась настоящая картина: шутники-скоморохи играли на балалайках, плясали медведи… Глаз не оторвать и от красивого узора, красочного орнамента…
Береста – прекрасный материал для вырезания острым ножом тонких кружевных узоров. Кажется, что эта красота сплетена умелой кружевницей. Такими ажурными берестяными «кружевами» украшали шкатулки, ларцы, пудреницы и коробочки, вазы и стаканчики. А чтобы подчеркнуть прихотливый узор и рисунок, мастера иногда подкладывали под берестяное «кружево» цветную фольгу или кусочки слюды.
А ещё узоры на бересте выдавливали специальными штампиками. Это называется тиснением. Такой способ делал изделия из неё особенно нарядными.
Береста издавна использовалась для изготовления различных бытовых и художественных изделий. До наших дней дошли берестяные грамоты, найденные при раскопках в Великом Новгороде и других городах России. Берестяные изделия украшались росписью, резьбой, тиснением.
Берестяные промыслы были широко распространены на всей территории нашей страны. Традиции изготовления художественных изделий из бересты сохранились в северных, северо-восточных областях европейской части России, в Поволжье, Сибири, Якутии.
И сегодня, в XXI веке, интерес к древнему народному промыслу, к искусству наших предков не угас. Мы восхищаемся талантом мастеров, подаривших нам красоту. И совсем не важно, что сделано это не из злата-серебра, а из обычной, скромной, но и волшебной бересты.
Происхождение мезенской росписи до сих пор остается загадкой. Одни исследователи сравнивают ее с росписью Коми Республики, другие считают, что она взяла начало от древнегреческих изображений. Исследователь росписи В.С. Воронов, например, сказал о ней: «Это орнамент, сохранивший в своих элементах глубочайшие пережитки архаики древнегреческих стилей, густым кружевом покрывает поверхности деревянных предметов». Очень проблематично установить это в наше время, ведь с тех пор, как Мезенская роспись появилась, минула, возможно, не одна сотня лет. Известно о ней стало с 1904 года, но, разумеется, зародилась роспись намного раньше. Необычность росписи, графичность, примитивно-условная трактовка образов коней и птиц побуждают исследователей искать истоки мезенской росписи в искусстве соседних северных народов и в наскальных рисунках. В.С. Воронов, изучая стили народных росписей по дереву в разных областях России, выделил мезенскую как «таинственную и любопытную», указав на ее связи с древними греческими стилями.
Истоки зарождения данного вида росписи ведут к низовьям реки Мезень Архангельской области. Ею расписывали различную домашнюю утварь - прялки, ковши, короба, сундуки, шкатулки. С конца XIX века центром мезенской росписи становится деревня Палащелье, поэтому мезенская роспись по дереву известна также как «палащельская роспись».
Ареал мезенской росписи весьма обширен. Кроме бассейна Мезени с Вашкой, он включает на западе районы Пинеги и нижнего течения Северной Двины до Онежского полуострова, а на востоке - бассейны Ижмы и Печоры. Здесь можно найти прялки с мезенской росписью не только из Палащелья, но и из других деревень.
Чаще всего в мезенской росписи изображали фигурки оленей, лошадей, реже людей, но рисовали лишь силуэт человека. Несмотря на то, что в этой росписи все просто и лаконично, рисунками можно написать целое сочинение, передать знаками какое-то послание. Ведь существует множество знаков стихий, светил, земли, а также охранения и пополнения семьи. Зная их расшифровку, можно прочитать каждую работу.
В основном в прежние времена расписывали прялки. Мезенские прялки были поистине уникальны. Во-первых, если обычные прялки состояли из трех частей: днища, стояка и лопасти, то в Мезени прялки изготавливали цельные, для чего выбирали такие деревья, корень которых мог стать днищем.
А во-вторых, уникальны были и сами рисунки. Ученые считают, что лицевая часть прялки, изображаемая очень строго, делится с помощью геометрических узоров на три части: небо, землю и подземное царство. На небе изображались птицы и так называемое «окно», с помощью которого можно было общаться с Богом. Дальше ряд за рядом изображали лошадей и оленей или дерево, часто с сидящей на макушке птицей. В подземном царстве также рисовали оленей и лошадей, но заштрихованными черной краской. А на изнаночной стороне художник, строго сохраняя уровни, мог сделать надписи, например: «Кого люблю - тому дарю». Прялки с подобными посланиями дарил муж жене на свадьбу или к рождению ребенка. Кстати, росписью занимались только мужчины, передавая это искусство по наследству из поколения в поколение.
Традиционно предметы, расписанные мезенской росписью, имеют только два цвета - красный и чёрный (сажа и охра, позднее сурик). Роспись наносилась на негрунтованное дерево специальной деревянной палочкой (тиской), пером глухаря или тетерева, кисточкой из человеческого волоса. Затем изделие олифилось, что придавало ему золотистый цвет. В настоящее время в целом технология и техника мезенской росписи сохранились, за исключением разве что того, что чаще стали применяться кисти. Некоторое внутреннее различие современной мезенской росписи от старой ощущается и потому, что изначально роспись производилась только мужчинами, тогда как в наше время ею больше занимаются женщины.
Сейчас мезенской росписью занимаются практически во всей России, а в некоторых школах она включена в программу изобразительного искусства.
Городецкая роспись по дереву, традиционный художественный промысел, получивший развитие в середине 19 века в деревнях по реке Узоле в окрестностях Городца Нижегородской области.null
Возникновение росписи берет начало в производстве Городецких прялочных донец, инкрустированных мореным дубом и украшенных контурной резьбой. В отличие от широко распространенных прялок, вытесанных из единого деревянного монолита, Городецкие прялки состояли из двух частей: донца и гребня. Донце представляло собой широкую доску, суживающуюся к головке с «копылком» пирамидальной формы, в отверстие которого вставлялась ножка гребня. Когда на прялке не работали, гребень вынимался из копылка, и донце вешалось на стену, становясь своеобразным декоративным панно.
В середине прошлого века мастера стали оживлять инкрустированные донца сначала только подкраской фона, затем резьбы, а впоследствии и введением красочных сюжетных рисунков. Самое раннее подобное донце, сохранившееся до наших дней, было изготовлено мастером Лазарем Мельниковым в 1859 году. Постепенно роспись, технологически более простая, окончательно вытеснила трудоемкую инкрустацию. В роспись Городецкие мастера перенесли не только сюжеты, ранее используемые в инкрустации, но и обобщенную трактовку образов, подсказанную приемами резьбы. В росписи использовались яркие сочные краски красного, желтого, зеленого, черного цветов, замешанные на жидком столярном клее. Со временем ассортимент расширился; помимо традиционных прялочных донец стали изготовлять и расписывать короба-мочесники, деревянные игрушки, мебель, даже части дома ставни, двери, ворота. В 1880 году в промысле было задействовано около 70 человек из семи соседних деревень. В числе старейших мастеров, ставших зачинателями Городецкой росписи, сохранились имена братьев Мельниковых и Г. Полякова, позже к ним присоеnullдинились живописцы, сохранившие секреты промысла в начале 20 века И. А. Мазин, Ф. С. Краснояров, Т. Беляев, И. А. Сундуков.
Постепенно выработались самобытные приемы Городецкой росписи, по своей многоэтапности близкие к профессиональной живописи. Первоначально производится окраска фона, которая является и грунтовкой. По цветному фону мастер делает «подмалевок», нанося крупной кистью основные цветовые пятна, после чего более тонкими кистями моделирует штрихами форму. Заканчивает роспись «разживка» белилами и черным цветом, объединяющая рисунок в одно целое. Готовый сюжет обычно заключают в графическую рамочку или обводку. В Городецкой росписи существует много простейших орнаментальных мотивов розы-купавки, бутоны, травки.
С развитием промысла значительно обогатились и сюжеты росписи, заимствованные, видимо, из лубочных картинок. Помимо традиционных коней появились чаепития, гулянья, сценки из городской жизни, персонажи народных сказок, батальные сцены, навеянные Русско-турецкой войной.
Городецкий промысел просуществовал около пятидесяти лет. Его расцвет приходится на 1890-е годы, когда выработка донец доходила до 4 тысяч в год, но уже к началу 20 века промысел пришел в упадок. После I мировой войны расписное производство полностью прекратилось, и даже самые знаменитые живописцы были вынуждены искать иной заработок.
Возрождение Городецкой росписи связано с именем художника И. И. Овешкова, приехавшего в Горьковскую область в 1935 году из Загорска. Его стараниями в деревне Косково была открыта общественная мастерская, объединившая старых живописцев. Овешков принял на себя не только руководство работой мастерской, но и организовал профессиональное обучение художников. При его непосредственном участии началось расширение ассортимента расписных изделий шкатулки, настенные шкафчики для посуды, детские стульчики, складные ширмы. В 1937 году Городецкие мастера участвовали в выставке «Народное творчество», проходившей в Третьяковской галерее в Москве, где рядом с донцами 19 века демонстрировались современные изделия
В 1951 году в селе Курцево была открыта столярно-мебельная артель «Стахановец», которую возглавил потомственный Городецкий живописец А. Е. Коновалов. Артель занялась изготовлением мебели с мотивами традиционной росписи шкафов, тумбочек, табуретов, столиков; ассортимент постоянно расширялся. В 1960 году артель преобразовалась в фабрику «Городецкая роспись».
В настоящее время фабрика выпускает расписные игрушки-качалки, детскую мебель, декоративные панно, блюда, токарную посуду. Хотя изменилось функциональное назначение Городецких изделий, в их росписи сохранились традиционные мотивы и образы, длинноногие кони, всадники, волшебные птицы, цветы-купавки.
История балалайки
Балалайка - русский народный трёхструнный щипковый музыкальный инструмент, с треугольными формами деревянного корпуса. Балалайка стала неотъемлемым музыкальным символом России. История происхождения балалайки уходит своими корнями в глубину веков и не имеет однозначности. Одни считают, что этот инструмент был придуман на Руси, а другие историки утверждают, что история балалайки ведёт своё начало от народного инструмента киргиз–кайсаков – домбры. Так же само слово «балалайка» вызывает множество догадок и споров. Самой основной гипотезой является то, что слово «балалайка» имеет один корень с такими словами, как балакать, балабонить, балаболить, балагурить, что значит болтать, пустозвонить. Все эти слова передают уникальность этого народного инструмента лёгкого, забавного, «бренчливого», не очень серьёзного.
Большинство историков придерживаются, что балалайка была придумана около 1715 года, но существуют множество исторических документов говорящих о более ранней истории создания балалайки. Первое письменное упоминание о балалайке содержится в документе от 13 июня 1688 года - «Память из Стрелецкого приказа в Малороссийский приказ», где упоминается крестьянин Ивашко Дмитриев, играющий на балалайке. Следующий документ прослеживающий историю балалайки, как раз и относится к 1715 году. Это подписанный Петром I «Реестр», относящийся к 1715 году: в Санкт-Петербурге, во время празднования шутовской свадьбы «князя-папы» Н.М Золотова кроме прочих инструментов, которые несли ряженые, были названы четыре балалайки.
До сих пор балалайка испытывала разные периоды своей истории. То этот народный инструмент забывался, то с новой силой становился популярным во всех деревнях и сёлах. Чем же так притягивают русского человека звуки этого инструмента? Возможно эти весёлые бренчливые, лёгкие и забавные звуки помогали забыть нашим предкам о всей тяжести крестьянской жизни, а может быть эти звуки и передавали всю суть жизни на Руси и теперь, услышав звук балалайки, мы с лёгкостью можем посмотреть на историю глазами наших предков. Кто знает, какие взлёты и падения ждёт этот уникальный русский народный инструмент, но сейчас с уверенностью можно сказать, что балалайка - это самый узнаваемый во всём мире русский народный инструмент.
Какие свежие, яркие и прекрасные букеты цветов. Розы - белые, чайные, Алые - раскрыли свои нежные лепестки, пионы красуются пышными шапками, огненные маки и астры, словно большие лучистые звёзды, красочные георгины и ещё какие-то незнакомые, необычные, но не менее прекрасные цветы.
Все эти чудесные букеты… нарисованы на знаменитых подносах из Жостова.
Жостовский художественный промысел - это декоративная живопись на металлических подносах. Возникновение промысла относят к началу девятнадцатого века, когда в деревне Жостово, Троицкой волости (ныне Мытищинский район, Московской области), была открыта мастерская по выпуску лакированных изделий из папье-маше с живописными миниатюрами. Но вскоре жостовские мастера стали делать металлические подносы с росписью масляными красками и лаковым покрытием. В 1928 году была основана артель, ныне Жостовская фабрика декоративной росписи.
Жостовский промысел развивался под влиянием уральской декоративной росписи, федоскинской лаковой миниатюры, росписи по фарфору подмосковных фабрик. Но уже к середине девятнадцатого века сложился самобытный художественный стиль жостовских мастеров. Сюжеты росписи - цветочные, растительные орнаменты, бытовые сценки из народной жизни, пейзажи. Разнообразна форма подносов.
Дымковская игрушка
Название этого народного промысла связано с селением Дымковская слобода, что на окраине старинного русского города Хлынова (позже г. Вятка, ныне г. Киров).
Дымковская игрушка - это декоративная глиняная скульптура высотой до 25 сантиметров. Роспись производится по обожженному в печи изделию темперными красками, применяется позолота. Изображаются всадники, дамы, кавалеры, сказочные персонажи, животные, бытовые сценки. Позы и движения дымковской игрушки несколько условны, упрощенны, согласно древней традиции изготовления народной игрушки, скульптуры.
Яркая, красочная "дымка" популярна не только в России, но и за рубежом.
Городецкая роспись
Этот народный художественный промысел сложился к середине девятнадцатого века в старинном волжском городе Городце, известном по летописям с 1152 года. Городец славился резчиками по дереву, умелыми корабелами. Обычай украшать предметы быта, прялки, ставни домов, ворота резьбой и инкрустацией послужил источником рождения народного промысла.
Особенности городецкой росписи - чистые, яркие краски, чёткий контур, белые штрихи, создающие условный объём и живописность. Городецкие мастера изображают не только растительный орнамент, сказочных персонажей, но и жанровые сценки. В начале двадцатого века промысел возродился. С 1938 года работает артель, с 1960 года работает фабрика "Городецкая роспись".
Русская матрёшка
Матрёшка - настоящая русская красавица. Румяная, в нарядном сарафане, на голове яркий платочек. Но матрёшка не лентяйка, в руках у неё то серп и хлебные колосья, то уточка или петушок, то корзинка с грибами-ягодами.
Но, главное, эта куколка - с секретом! Внутри неё прячутся весёлые сестрички. По сравнению с другими игрушками, деревянная молодая куколка молода, ей чуть более ста лет. Для народной игрушки это не возраст.
Прообразом матрёшки могли послужить "писанки" - деревянные, расписные пасхальные яйца, их уже много веков делают на Руси. Они бывают полыми внутри, и в большее вкладывается меньшее. В конце девятнадцатого века в Абрамцево по эскизу художника Сергея Малютина местный токарь Звёздочкин выточил первую деревянную куколку. А когда Малютин расписал её, получилась девочка в русском сарафане, в платочке, с петушком в руке. По преданию, кто-то, увидев куклу, смеясь воскликнул: "До чего похожа на нашу Матрёну!". С тех пор и зовут эту игрушку матрёшкой.
Матрёшка - один из самых популярных русских сувениров. В Московской области массовое производство матрёшек началось в Сергиевом Посаде с 1890 года, и уже в 1900 году игрушка из России на международной выставке в Париже была отмечена золотой медалью.
Вскоре матрёшек стали изготовлять и в других районах страны, например в городе Семенове, в селе Полхов - Майдан, на Вятской земле, в Башкирии и Воронеже.
В наши дни традиционное искусство матрёшки переживает своё второе рождение. Вот только изменилась её внешность.
Хохломская роспись
Уже в 17 веке в селе Хохлома проходили ярмарки, где торговали деревянной расписной посудой, изготовленной в сёлах и деревнях Нижегородского края.
Хохломская роспись отличается характерным сочетанием золотого цвета с чёрным, красным, зелёным, иногда коричневым и оранжевым. Изображение растений, ягод, плодов, птиц и рыб образуют прихотливый узорный орнамент. Секрет "золота" Хохломы - применение алюминиевого (ранее серебряного или оловянного) покрытия, сверху наносится рисунок и лак. Изделие высушивается при температуре 100-120 градусов. Под действием температуры лак приобретает желтоватый оттенок, и сквозь него "золотом" сверкает алюминиевый слой.
Современные хохломские изделия - посуду, мебель, сувениры - создают мастера фабрики "Хохломской художник" и объединения "Хохломская роспись", что в Нижегородской области.
Гжельская керамика
Гжель - это один из самых известных народных художественных промыслов России. Гжельский промысел объединяет два десятка подмосковных сёл и деревень. Уже с 14 века в этой местности процветал гончарный промысел. С середины 18 века гжельские мастера освоили производство майолики с многоцветной росписью по белому фону. Роспись часто дополнялась скульптурными изображениями людей, жывотных, птиц.
В девятнадцатом веке Гжель прославилась своим фаянсом и фарфором. С этого времени преобладает роспись синим кобальтом по белому. Разнообразные изделия с "фирменным" цветочным узором, скульптуры поражают фантазией и мастерством художников, сохранивших народные традиции. Сегодня гжельская керамика известна во всём мире и по-прежнему украшает нашу жизнь.
Скопинская керамика
Скопинская керамика как народный художественный промысел получила известность со второй половины девятнадцатого века. Археологические исследования подтверждают, что в 12 веке в районе города Скопина, Рязанской области, уже существовал гончарный промысел.
Особенность скопинской керамики в том, что изделия, как правило, ручной работы, дополнены лепными изображениями птиц, рыб, фантастических животных. Великолепный растительный орнамент делает скопинскую керамику настоящим произведением искусства. Она покрыта цветной глазурью коричневого, зелёного или желтого тона.
В 1934 году основана артель, с 1976 года - Скопинская фабрика керамических изделий.
Филимоновская игрушка
Этот народный промысел связан с деревней Филимоново, Тульской области. Издавна в этих краях делали посуду из местной светлой гончарной глины. Облик филимоновской игрушки поражает своей оригинальностью, необычностью форм. По мнению специалистов, в филимоновской игрушке сохраняются изначальные, древние традиции народной культуры.
Фигурки несколько вытянуты, в росписи преобладают три-четыре цвета. Сама роспись - это чередование горизонтальных полос по белому, жёлтому фону. В орнаменте преобладают круги, "розетки", треугольники, зигзаги, точки. Лица на игрушках, мелкие детали едва обозначены, как у древних, языческих идолов. Размеры игрушек от 3-5 до 25-30 сантиметров. В большинстве своём это свистульки.
Незатейливы филимоновские игрушки. Но игрушка радует - значит, делали её добрые руки.
Но, прежде всего стоит узнать откуда на Руси появились эти, по праву, произведения искусства, пройдя через века и массу трудностей, передаваясь из поколения в поколения, от мастера к мастеру, от отца сыну, народные промыслы дошли и до наших времен!
На реке Узоле, в древних заволжских лесах раскинулись старинные русские деревни - Новопокровское, Хрящи, Кулигино, Сёмино. Отсюда и ведет свою историю известный во всем мире хохломской промысел . В этих деревнях и поныне живут мастера-художники, которые расписывают деревянную посуду, продолжая традиции отцов, дедов и прадедов.
Однако установить время появления хохломской росписи исследователям пока не удалось. Ведь деревянную посуду и другую утварь долго не хранили. От частого применения она изнашивалась, приходила в негодность. Её выбрасывали или сжигали, заменяя новой. До нас дошли изделия хохломских мастеров в основном лишь XIX века. Но различные документальные сведения указывают на то, что промысел зародился в более раннее время, возможно в XVII веке.
Характерная для хохломы оригинальная техника, где роспись киноварью и черной краской исполнялась по золотому фону, находит аналогии в древнерусском искусстве.
В документах есть упоминание о том, что в конце XVI и начале XVII века в Троице-Сергиевой лавре при торжественном приеме гостей им подносили деревянные ковши, украшенные золотом и киноварью, а также кубки.
В начале XVII века к Троице-Сергиевой лавре были приписаны заволжские земли, среди которых находилась и Хохлома . Крестьяне не только видели эту золоченную посуду, но и могли знать способ её окраски. Но у хохломских мастеров был свой способ “золочения”. Посуду натирали оловянным порошком, покрывали олифой и нагревали в резные позолоченные печи. Олифа от высокой температуры желтела, а олово, просвечивающее сквозь неё, становилось золотом.
Один из лучших мастеров хохломской росписи так говорил об этом промысле: (Самый характер росписи, подражающий золотой и серебряной посуде был подсказан декоративным искусством Древней Руси... Хохлома , вероятно, была лишь поздним отражением этого большого искусства...)
В XIX веке промысел настолько разросся, что поставлял свой товар в большом количестве не только на внутренний рынок, но и за границу в страны Средней Азии и Западной Европы. Изготовлением посуды и других предметов быта занималось сразу несколько деревень Семеновского и Балакнинского уездов Нижегородской губернии, Макарьинского и Варнавинского - Костромской. Среди них было что-то типа разделения труда. В одной деревне обрабатывалось дерево, в другой - наносился рисунок.
Самые ранние произведения хохломы в собрании Русского музея относятся ко второй половине XIX века. Они насчитывают около 170 разнообразных по назначению предметов быта. Посуда представлена мисками и чашками любых размеров: от маленьких, похожих на десертные розетки, до огромных 70-80 сантиметров в диаметре; различными поставцами и бочатами солонками и множеством ложек.
Дешевую обиходную посуду можно было отличить по простым узорам, нанесённым специальными штампиками из фетровой ткани или гриба-дождевика. Это спирали, ромбики, мелкие розетки и листики.
Более дорогие вещи расписывали кистью от руки, создавая различные композиции травного орнамента, где ритмично сочетаются слегка изгибающиеся тоненькие красненькие и черные веточки с пышными перистыми листьями-травинками.
Иногда красно-черная пушистая травка дополняла основной орнаментальный мотив вьющегося крупного стебля, каждый завиток которого заканчивался красной ягодкой.
В 1960-е годы стали выполнять многопредметные наборы и сервизы.
Современная хохлома по праву получила широкое признание не только в нашей стране, но и далеко за её пределами. Украшенные яркой росписью столовые наборы, чашки, ложки, мебель экспонируется на многих крупнейших международных выставках. И всегда это неповторимое жизнерадостное искусство находит любовь и понимание людей всех национальностей.
Есть в Подмосковье деревня Жостово , жители которой уже более полутора веков владеют мастерством украшения всего одной вещи - подноса. Под кистью народных живописцев этот предмет обрёл качества художественного произведения. Собранные в букеты или вольно раскинувшиеся на блестящем черном фоне садовые и полевые цветы украшают поднос и несут людям чувство радости души, поэзию вечного цветения природы. Ведь вряд ли найдется человек, не любящий природу, равнодушный к цветам, их красоте, аромату, заключенной в них великой силе жизни. Эта тема близка каждому, поэтому так много почитателей жостовского таланта не только в нашей стране, но и за рубежом.
А когда-то, в начале XIX века, открывая в Жостове первую мастерскую по производству изделий из папье-маше, купец Филипп Никитьевич Вишняков и не подозревал, что основал новый промысел, которому суждено будет со временем войти в число уникальных очагов русской народной культуры. Здесь сложилось самобытное искусство декоративной живописи, вобравшей в себя традиции народных росписей на бытовых предметах и станкового живописного натюрморта, по-своему понятого и переработанного народными мастерами. Первые подносы изготовлялись из папье-маше, как и выпускающиеся вместе с ними коробочки, табакерки, марочницы и шкатулки. Поначалу и украшавшая их живопись была одинаковой - пейзажи, писанные с гравюр и картин, летние и зимние тройки коней, чаепития за столом. Помещённые на черном фоне в центре поля хорошо читались силуэтами фигур, локальными цветовыми пятнами.
В 1830-е годы подносы в Жостове стали делать из металла. На мысль о замене папье-маше на более прочный материал жостовцев навели подносы Нижнего Тагила, знаменитого ещё в XVIII веке центра их производства. В XIX веке в Тагиле делали подносы, украшенные растительным орнаментом, характерным для предметов уральской народной расписной утвари.
Другим известным центром производства подносов стал Петербург. Здесь были в моде подносы фигурных форм, сложного рисунка, изображавшей цветы, фрукты, птиц среди различных раковин и прихотливых завитков.
Жостовские мастера учли опыт живописцев Нижнего Тагила и Петербурга, но не просто использовали понравившиеся стили и приёмы, а создали на их основе свой собственный неповторимый стиль и характер украшения подносов. Он сложился в 1870 - 1880-е годы.
В это время увеличился спрос на подносы в городах. В трактирах, в питейных заведениях и гостиницах подносы использовались по прямому их назначению, и как украшение интерьера. Подносное производство в Жостове постепенно отделилось от лаковой миниатюры на папье-маше. Возникло немало мастерских, производивших подносы на продажу в Москве, в Петербурге и других местностях. С тех пор и поныне Жостово и окрестные деревни являются своего рода заповедниками этого уникального искусства.
Коллекция жостовских подносов в Русском Музее невелика. Но в ней есть первоклассные произведения, исполненные в разные периоды жизни промысла и наглядно отражающие особенности и уровень искусства своего времени.
К числу самых известных произведений принадлежит овальный поднос, украшенный живописью по перламутру.
Почти на каждом старинном подносе стоит клеймо мастерской, в которой он был выполнен. Из этого клейма можно узнать имя хозяина мастерской, а по ней определить время создания подноса.
На удалении 50-60 километров к северо-востоку от Москвы, в Раменском районе, вдоль Егорьевского шоссе расположены два десятка слившихся между собой красивых сёл и деревень.
Гжель - название одного из сёл - бывшего волостного центра, ставшего собирательным для всей округи, символом неповторимого искусства и народного мастерства.
Гжелью называют выпускаемые в этих местах высокохудожественные фарфоровые изделия , расписанные кобальтом по белому фону.
Гжель впервые упоминается в письменных источниках в 1339 году в духовной грамоте Ивана Даниловича Калиты. С тех пор на протяжении столетий, как одна из наиболее прибыльных волостей, переходила Гжель по наследству в роду великих московских князей и царей, принося им немалый доход.
Ещё в XVI веке гжельцы возили в Москву излишки бытовой посуды, а также в Яузскую слободу московским гончарам свою глину, некоторые оставались там и работать. Выезжали они и на московские ярмарки и торги. Знакомились на торгах с привозными изделиями мастеров из других мест России, из других стран.
На базе крестьянских промыслов и торговли постепенно складывался новый тип крестьянского населения Гжели.
К 70 - 80 годам XVIII века Гжель становится центром производства в России художественной майолики. Дело в том, что со времени открытия мануфактуры Афанасия Гребенщикова в 1724 году многие гжельцы работали там гончарами. Смекалистые и расторопные, они быстро схватывали секреты нового производства майоликовых изделий, а возвращаясь на родину, заводили свои примитивные, но многочисленные новые горны, создавали свои изделия не только из обычных красных глин, как раньше, а использовали по новой технологии белые массы с примесями других сортов глин и минеральных добавок.
Самобытные гжельские изделия пользовались неизменным спросом. Крестьяне-кустари трудились от зари до зари, имея дело с глиной и творя из неё необходимые в быту вещи. Каждый из них имел свою манеру, и создавая изделия, вносил собственное видение окружающего мира. Достоинство посуды, игрушек определялось вкусами покупателей и управлялось их спросом. Популярность гжельских изделий означала соответствие их требованиям, отвечающим утилитарным целям и художественным вкусам людей того времени. В середине XVIII века в России довольно быстро начали развиваться гончарные производства, однако гжельские изделия пользовались неизменным спросом. Отсюда производство керамики распространяется в Коломенской, Серпуховской и другие уезды Московской губернии.
Конец XVIII века явился временем расцвета гжельской майолики ; особенно большого искусства местные мастера достигли при изготовлении кувшинов, кумганов, квасников. Работа требовала большого терпения и искусства. Роспись не допускала поправок и переделок, так как велась по мягкому, не обожжённому черепку, покрытому белой эмалью. Гжельцы выпускали отдельно и мелкую майоликовую пластику, которая часто отражала типичные сценки их жизни, наполненные юмором композиции, солдат, крестьянок, модниц и франтов, занятых теми или иными делами. Сюжеты были выразительны и доходчивы, покоряли ясностью замыслов, наивностью их создателей - простых народных умельцев.
В течение многих десятилетий гжельцы создавали изумительные по красоте и разнообразию росписи изразцы для оформления печей и каминов. Свыше 500 их образцов хранит теперь в своей коллекции Эрмитаж.
Многие гжельские мастера участвовали создании гончарного промысла и в других местах России.
Полуфаянс Гжели пытались делать ещё в последние годы XVIII века. Завозимые из-за границы предметы из этого материала были настолько дороги, что их могли купить только немногие, но они же невольно толкали гжельцев овладеть технологией их производства.
Полуфаянс уже имел белый, хотя и толстый черепок, и роспись велась не по сырой эмали, как на майоликовых изделиях, а после обжига, по твердому черепку, что значительно облегчало, ускоряло работу и ускоряло брак.
Полуфаянс стал таким же замечательным художественным явлением, как и майолика. Гжельцам удалось получить белую посуду белую, наподобие фаянса в начале XIX века. Добавив в свои глины известь, гжельцы получили материал, названный простым фаянсом или полуфаянсом, и в течение XIX века создавали из него десятки тысяч необходимых предметов быта.
Не сразу гжельцы выработали свой самобытный стиль росписи кобальтом, но постепенно он достиг совершенства именно в полуфаянсе. Синий цвет становится классическим, неотделимым от гжельского полуфаянса. Это был новый изобразительный живописный язык, пришедший на смену контурному рисунку с полихромной раскраской, какая ранее использовалась в майолике. Синяя краска лучше всего соединяется с глазурью, при обжиге даёт меньше брака, излучает сияние, не подвластное времени. В росписи присутствуют и элементы очеловечения, одухотворения вещей.
К середине XIX века Гжель являлась самым крупным поставщиком керамических изделий страны.
Во второй половине XIX века в русском керамическом производстве происходят значительные сдвиги. Лидируют теперь крупные механизированные заводы. Экономичность производства, добротность изделий и умеренность цен давали возможность выиграть борьбу на рынках сбыта.
В 1926 году число работающих в фарфорово-фаянсовой промышленности по Гжельской области составляло 506 человек.
Товарищество Гжель создано в результате объединения шести мелких цехов разных деревень в 1972 году.
В деревне Жирово выпускают керамические камины, В деревнях Трошково и Фенино - гончарную и майоликовую посуду. В деревне Фенино совместно с итальянской фирмой создаётся производство по выпуску изразцов и плитки. В деревне Коломино - Фрязино делают фарфоровые игрушки, а современные производства в д. Турыгино и Бахтеево - главные центры производства художественного фарфора.
Гжельские мастера глубоко и свято хранят традиции своих предков, творчески их развивают и приумножают. В полусказочном мире, создаваемом мастерами - керамистами нынешней Гжели , трудно провести четкую границу между искусством прошлого и настоящего. Не иссякает родник, возникший столетия назад в душе русского народа; пройдя через толщу веков, он по- прежнему остаётся могучей эстетической силой и не теряет своей чистоты. В преемственности традиций народных мастеров, верности им и находится зерно успеха и популярности гжельской керамики в наше время.
История Гжели уходит вглубь веков, и её народному искусству суждена долгая жизнь, сегодня знаменитый народный промысел набирает новые силы. В разные концы планеты улетают синие птицы Гжели, чтобы украшать быт людей, воспитывать чувство прекрасного.
Издавна
на Руси из бересты
делали нужные для хозяйства и удобные вещи – плели корзины и
короба. А в берестяных туесах
хранили мёд и ягоды, сметану и масло… В такой
«упаковке» всё долго оставалось свежим.
А ещё из бересты делали шкатулки и ларцы , всевозможные коробочки, посуду и даже лапти. Яркими, весёлыми красками их расписывали: рисовали цветы и ягоды, зелёные веточки и сказочных птиц, зверей невиданных или хорошо знакомых. Иногда под кистью мастера рождалась настоящая картина: шутники-скоморохи играли на балалайках, плясали медведи… Глаз не оторвать и от красивого узора, красочного орнамента…
– прекрасный материал для вырезания острым ножом тонких кружевных узоров. Кажется, что эта красота сплетена умелой кружевницей. Такими ажурными берестяными «кружевами» украшали шкатулки, ларцы, пудреницы и коробочки, вазы и стаканчики. А чтобы подчеркнуть прихотливый узор и рисунок, мастера иногда подкладывали под берестяное «кружево» цветную фольгу или кусочки слюды.
А ещё узоры на бересте выдавливали специальными штампиками. Это называется тиснением. Такой способ делал изделия из неё особенно нарядными.
Издавна использовалась для изготовления различных бытовых и художественных
изделий. До наших дней дошли берестяные грамоты, найденные при раскопках в
Великом Новгороде и других городах России. Берестяные изделия украшались
росписью, резьбой, тиснением.
Берестяные промыслы были широко распространены на всей территории нашей страны. Традиции изготовления художественных изделий из бересты сохранились в северных, северо-восточных областях европейской части России, в Поволжье, Сибири, Якутии.
И сегодня, в XXI веке, интерес к древнему народному промыслу, к искусству наших предков не угас. Мы восхищаемся талантом мастеров, подаривших нам красоту. И совсем не важно, что сделано это не из злата-серебра, а из обычной, скромной, но и волшебной бересты.
Происхождение мезенской росписи до сих пор остается загадкой. Одни исследователи сравнивают ее с росписью Коми Республики, другие считают, что она взяла начало от древнегреческих изображений. Исследователь росписи В.С. Воронов, например, сказал о ней: «Это орнамент, сохранивший в своих элементах глубочайшие пережитки архаики древнегреческих стилей, густым кружевом покрывает поверхности деревянных предметов». Очень проблематично установить это в наше время, ведь с тех пор, как Мезенская роспись появилась, минула, возможно, не одна сотня лет. Известно о ней стало с 1904 года, но, разумеется, зародилась роспись намного раньше. Необычность росписи, графичность, примитивно-условная трактовка образов коней и птиц побуждают исследователей искать истоки мезенской росписи в искусстве соседних северных народов и в наскальных рисунках. В.С. Воронов, изучая стили народных росписей по дереву в разных областях России, выделил мезенскую как «таинственную и любопытную», указав на ее связи с древними греческими стилями.
Истоки зарождения данного вида росписи ведут к низовьям реки Мезень Архангельской области. Ею расписывали различную домашнюю утварь - прялки, ковши, короба, сундуки, шкатулки. С конца XIX века центром мезенской росписи становится деревня Палащелье, поэтому мезенская роспись по дереву известна также как «палащельская роспись» .
Ареал мезенской росписи весьма обширен. Кроме бассейна Мезени с Вашкой, он включает на западе районы Пинеги и нижнего течения Северной Двины до Онежского полуострова, а на востоке - бассейны Ижмы и Печоры. Здесь можно найти прялки с мезенской росписью не только из Палащелья, но и из других деревень.
Чаще всего в мезенской росписи изображали фигурки оленей, лошадей, реже людей, но рисовали лишь силуэт человека. Несмотря на то, что в этой росписи все просто и лаконично, рисунками можно написать целое сочинение, передать знаками какое-то послание. Ведь существует множество знаков стихий, светил, земли, а также охранения и пополнения семьи. Зная их расшифровку, можно прочитать каждую работу.
В основном в прежние времена расписывали прялки. Мезенские прялки были поистине уникальны. Во-первых, если обычные прялки состояли из трех частей: днища, стояка и лопасти, то в Мезени прялки изготавливали цельные, для чего выбирали такие деревья, корень которых мог стать днищем.
А во-вторых, уникальны были и сами рисунки. Ученые считают, что лицевая часть прялки, изображаемая очень строго, делится с помощью геометрических узоров на три части: небо, землю и подземное царство. На небе изображались птицы и так называемое «окно», с помощью которого можно было общаться с Богом. Дальше ряд за рядом изображали лошадей и оленей или дерево, часто с сидящей на макушке птицей. В подземном царстве также рисовали оленей и лошадей, но заштрихованными черной краской. А на изнаночной стороне художник, строго сохраняя уровни, мог сделать надписи, например: «Кого люблю - тому дарю». Прялки с подобными посланиями дарил муж жене на свадьбу или к рождению ребенка. Кстати, росписью занимались только мужчины, передавая это искусство по наследству из поколения в поколение.
Традиционно предметы, расписанные мезенской росписью, имеют только два цвета - красный и чёрный (сажа и охра, позднее сурик). Роспись наносилась на негрунтованное дерево специальной деревянной палочкой (тиской), пером глухаря или тетерева, кисточкой из человеческого волоса. Затем изделие олифилось, что придавало ему золотистый цвет. В настоящее время в целом технология и техника мезенской росписи сохранились, за исключением разве что того, что чаще стали применяться кисти. Некоторое внутреннее различие современной мезенской росписи от старой ощущается и потому, что изначально роспись производилась только мужчинами, тогда как в наше время ею больше занимаются женщины.
Сейчас мезенской росписью занимаются практически во всей
России, а в некоторых школах она включена в программу изобразительного
искусства.
Балалайка - русский народный трёхструнный щипковый музыкальный инструмент , с треугольными формами деревянного корпуса. Балалайка стала неотъемлемым музыкальным символом России. История происхождения балалайки уходит своими корнями в глубину веков и не имеет однозначности. Одни считают, что этот инструмент был придуман на Руси, а другие историки утверждают, что история балалайки ведёт своё начало от народного инструмента киргиз–кайсаков – домбры. Так же само слово «балалайка» вызывает множество догадок и споров. Самой основной гипотезой является то, что слово «балалайка» имеет один корень с такими словами, как балакать, балабонить, балаболить, балагурить, что значит болтать, пустозвонить. Все эти слова передаютуникальность этого народного инструмента лёгкого, забавного, «бренчливого»,не очень серьёзного.
Большинство историков придерживаются, что балалайка была придумана около 1715 года, но существуют множество исторических документов говорящих о более ранней истории создания балалайки . Первое письменное упоминание о балалайке содержится в документе от 13 июня 1688 года - «Память из Стрелецкого приказа в Малороссийский приказ», где упоминается крестьянин Ивашко Дмитриев, играющий на балалайке . Следующий документ прослеживающий историю балалайки , как раз и относится к 1715 году. Это подписанный Петром I «Реестр», относящийся к 1715 году: в Санкт-Петербурге, во время празднования шутовской свадьбы «князя-папы» Н.М Золотова кроме прочих инструментов, которые несли ряженые, были названы четыре балалайки.
До сих пор балалайка
испытывала разные периоды своей истории
.
То этот народный инструмент забывался, то с новой силой становился популярным
во всех деревнях и сёлах. Чем же так притягивают русского человека
звуки этого инструмента?
Возможно эти весёлые бренчливые, лёгкие и забавные
звуки помогали забыть нашим предкам о всей тяжести крестьянской жизни, а может
быть эти звуки и передавали всю суть жизни на Руси и теперь, услышав
звук балалайки, мы с лёгкостью можем посмотреть на историю глазами наших
предков. Кто знает, какие взлёты и падения ждёт этот уникальный русский
народный инструмент
, но сейчас с уверенностью можно сказать, что балалайка
- это самый узнаваемый во всём мире русский народный инструмент.
Загрузка...
